Philipp Fürhofer
12.5.–5.11.2023

In Fürhofers Werken präsentiert sich die Natur als ein Ort der Sehnsucht nach Perfektion und ewigem Fortbestehen als Teil des Ökosystems. Vielen seiner Arbeiten wohnt eine zyklische Erzählstruktur inne, die vom Wachstum bis zum Verfall reicht, wie etwa in seinen Leuchtkästen, in denen das An- und Abklingen des Lichts unterschiedliche Szenerien offenbart. Für seine Motive aktiviert der Künstler das popkulturelle Bildgedächtnis, indem er z. B. Postkarten-Motive, idyllische Landschaftsbilder und Filmplakate bearbeitetet und abstrahiert in seine Werke überträgt.

Das Zentrum der Ausstellung bildet die Arbeit „Phantominsel“ (2023). Sie tritt in Dialog mit dem Ausstellungsraum und seinen architektonischen Elementen, einschließlich seiner markanten Säulen. Der fast sechs Meter hohe Vorhang aus PVC-Bahnen gibt eine düstere Naturlandschaft wieder, die zugleich an melancholische Bildwelten der Romantik erinnert. Durch Reflexionen an der dahinterliegenden Spiegelwand (John Armleder, „Mosaic Mirror Wall Piece“, 1991–2012) werden Slogans wie „Sexy“ und „Forever Young“ deutlich, die auf den Wortschatz einer kapitalistisch geprägten Welt verweisen.

Ein zentrales Element in Philipp Fürhofers Schaffen ist das Licht, wobei das Prinzip von Röntgenaufnahmen eine entscheidende Rolle spielt. Aus der Medizin entlehnte Leuchtkästen dienen dem Künstler vorrangig als Bildträger. Im Städel Museum präsentiert Fürhofer fünf Arbeiten, die zumeist aus einem oder mehreren Acrylglaskästen, Spionspiegeln sowie LED-Röhren bestehen. Unter dem Einsatz einer Controller-Box verleiht das Licht seinem Werk eine prozesshafte Dimension: Erst mit der Zunahme des Lichts innerhalb weniger Sekunden erscheint die Malerei nach und nach, nur um anschließend wieder zu verschwinden. Die dramatisch eingefärbten Dschungelpfade etwa in den Werken „Fluids“ und „Bypass“ (jeweils 2023) halten zunächst das Versprechen nach fernen, vermeintlich sorgenfreien Welten bereit. Ebbt das Licht ab, tritt die Motivik der Vorderseite des Acrylglaskastens zutage und es werden menschliche Venen, Rippen oder Nervenzellen erkennbar. Nun dominiert auch die reflektierende Wirkung des integrierten Spionspiegels und somit das Abbild des Betrachters. Seine Reflexion zersetzt sich mit dem wiederkehrenden Licht.

Auch in seinen Gemälden verankert Fürhofer den Menschen in all seiner Sterblichkeit und Verletzlichkeit inmitten der Natur. Teils konträre Bildrealitäten verbinden sich und stellen die Frage nach Schein und Sein. Es entsteht eine Ambivalenz zwischen der scheinbar perfekten Natur und dem menschlichen Drang zur Optimierung. Auf dystopische Art und Weise vermengt Fürhofer beispielsweise in „Ersatzwelt“ oder „Burning“ (jeweils 2022) anhand vielschichtiger Überlagerungen einen tropischen Sonnenuntergang mit einem vom Waldbrand erhellten Himmel. Oder er lässt wie in „Carbonization“ (2022) Farbschichten aufplatzen, deren Risse hinter einer vermeintlich friedlichen Welt bedrohliche Szenarien freigeben. Die Folgen des Anthropozäns werden in „Ohne Titel“ (2022) sichtbar: Idyllische Meeres- und Seelandschaften brechen auf, schwimmen wie Eisschollen davon und legen Bilder von Supermärkten oder Werbeslogans frei. Farbspuren markieren die Werkoberfläche als solche und lassen die malerische Naturszenerie samt der mit ihr verbundenen Hoffnung zerfallen. Fürhofers Gemälde entlarven sich als illusorische Konstrukte: Die eigentliche friedvolle Ewigkeit der Natur wird von Geschwüren zerfressen, eingeritzt in die Bildoberfläche.